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田中小百合 | 30th Jan 2016 | 聽覺失調

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廠牌:寰亞唱片
發行日期:2016-01-08
評分:6/10

昨日RubberBand的戰績,到現在確實有點脫色,他們撐到G字頭的新碟,決定又要作出一些改變,這包括跟恭碩良、王雙駿的合作(王雙駿於專輯中的高度參與,為RubberBand的音樂帶來不同的「景象」),交出了編曲豐富、動感易令人隨樂而跳的主題歌《Gotta Go!》,也從此首體現出他們對節奏的重視,或在鼓、電結他等樂器和附加的效果器方面,要試玩出「新花式」的追求與實踐。

而第二個進行改變的地方,就是將國粵語、英文歌相間地在專輯中擺放,有可能想打開粵語地區之外的市場。Soft Rock的《許多年以後》是RubberBand「煮開」的拿手小菜,音樂聽起來雖流暢、舒服(如果你不太介意主唱國語發音的話),但真的令我只覺得是OK而已;勵志色彩的《我是樂隊》,也面臨類似的情況,就連填詞的周耀輝,亦跟穩健保險的創作、編排一樣,顯得中規中矩、用詞套路陳舊;可怎樣說都好,這兩首沒甚驚喜的國語作品至起碼未有大的失手,然而再聽聽排在曲目第七首的《七》,它想回應舊年暗角七警打人事件,可惜是不知為何選了「不夠本土」的國語來表達(是想令更多台灣、大陸人知道這事件,還是因為用粵語難填出心中想法?)再加上主歌旋律為遷就每句七個字所呈現的累贅、打結之感,和6號「崔世安式」的國語發音,令到這首變成了一場「車禍」,嚇跑了不少聽到「一頭霧水」的樂迷。

好在《Gotta Go》收錄的幾首粵語歌,總體質素不差,groovy的《#sorrynotsorry#》以順應(荒謬)潮流的hashtag為主題,無論是口語化的歌詞或是演繹(又令我想起了許冠傑),都比起那些「綁手綁腳」的國語創作來得更「瀟灑」、「奔放」、連演奏上也展現出更生猛的活力。黃偉文填詞的《挾持》,由家庭的角度切入,講的仍是理想和現實不可調和的矛盾,意念毫不新鮮、寫得也是直白而普通,跟對應要做回真我的《我是樂隊》,有著相近的歌詞平淡之問題;可要承認的是,同樣採用漸進式編排的《挾持》,在情緒鋪陳、起承轉合方面無疑有著優勢,它抒情的高潮部分亦更俱感染力,所謂的真切、親近是RubberBand大部分粵語歌帶著的特色,反觀他們的國語作品,多呈現較商業化的模糊印象,歌曲與聽眾之間,也經常隔著「一堵墻」,難以被破開。

天生「本土命」的RubberBand,還是用粵語唱一些較「貼地」的歌,更能令人產生共鳴,也是他們應keep住走的路線。緊跟《七》的《堅彌地城》續著前首有關社會現象的內容,「放映」了苟且偷安的「港豬」們,事不關己地活在已經沉淪城市的「畫面」;此作品前面如踏於邊緣線上的假平靜,成了這生活仿似正常,可人們如被抽取了靈魂的行尸走肉,長期低頭前進的一個寫照(Charatay的和聲亦協助製造出此效果),然而進入到歌的Chorus階段,音樂逐漸拆穿了社會沉靜的假面具,6號一邊唱著離地到太空的「港豬」心態,一邊用歇斯底里的聲音,抒發了對這現象的悲痛;到尾段一分多鐘的outro,像荷里活大製作的配樂,猛力地好比朱經緯抽打途人的一棒,在要打醒仍睡著的「沉默的大多數」之餘,亦勾起了聽眾,對近年從反國教事件到衝擊立法會、或是雨傘革命等社會運動的影像回憶,震撼人心。

而這個低壓下的都市,壓不住有夢想人的理想,《我是樂隊》、或呼喚出希望的《我是未來》,像專輯的封面打開了一個洞,給聽眾從這「隨意門」中瞬間轉移到能舒出一口悶氣的郊野,令我們以積極的態度,去遠眺山腳下還未完全「沉沒」的那地方。RubberBand以「一帶一路」般雙語、多語言方式安排的《Gotta Go》,有時聽到人不禁搖頭,有時卻一錘破開了編曲上的保險門鎖,他們於此專輯中偶爾跌倒,又能夠重爬起來的創作,我想仍可促使不少的樂迷,對未來的RubberBand,還保留著未滅的期望,就如他們看待自己愛憎交織的生長、棲息地之心態一樣。

首選:堅彌地城 


田中小百合 | 17th Jan 2016 | 聽覺失調

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搖滾音樂向來充滿雄性的激素,但David Bowie的出現顛覆了人們對這一貫的認為。他穿起絲緞長裙又玩著硬搖滾的《The Man Who Sold The World》,掀起了其雌雄同體的Glam Rock序幕;到那嫵媚古怪亦有向DylanLou ReedSyd Barrett致敬的《Hunky Dory》,標誌著更女性化的Bowie已經誕生!年輕上進又俱才華的人,自然會較容易取得成功,David Bowie驚世的《The Rise and Fall of Ziggy Stardust and the Spiders from Mars》,開創了搖滾專輯表現虛擬人物之人生起落的先河,而他借鑒美國歌手Vince Taylor的形象和事跡來打造出的Ziggy Stardust一角(Ziggy這個名字,原是來自一間同名的裁縫店),也是影響深遠,為很多人都想被Starman帶離開的沉悶世界,留下了超越性別的美麗身影。

在冷戰、越戰等陰影覆蓋的60-70年代,瀰漫著恐懼或憂慮,轟轟烈烈的Woodstock音樂節送走迷幻青春的最後高潮,使年輕人忽然地像沒有了精神寄託般變得彷徨。David Bowie的此專輯,從末世氣氛籠罩的《Five Years》中,便切合著當時之群眾的失魂落魄,或看不到美好將來的心情,其前段「舉」不起來的伴奏,成為了這疲軟時代的寫照,但隨著歌的「畫風」漸變,編曲顯得更加地「有力」之後(尾聲還傳來了像黑森林的怪聲),David Bowie那堅定、明亮的vocal,也開始走調、失控,悲痛地仿佛發出了對此失落的社會之鳴叫。

David Bowie的《The Rise and Fall of Ziggy Stardust and the Spiders from Mars》,主要圍繞虛構的Ziggy Stardust——這個來自太空的搖滾明星之故事來展開。第二首旋律令人春心蕩漾的《Soul Love》,是稍作緩衝的Story arc;第三首用上saxophone和長笛來合奏出精彩過門的《Moonage Daydream》(從154秒開始),才是塑造出主角Ziggy其浪漫、自由、反叛和激情之個性的專輯重要段落。人類首次登月在David Bowie的《Space Oddity》發表之同一個月宣告成功,這迎來了太空研究的新紀元,所以70年代初雖被集體性的失落情緒困擾,但又同時碰到了太空時代的新機遇。靈感源自「基督再臨」的《Starman》,講述Ziggy Stardust通過信使"Starman"(可指「外星人」、另一位「搖滾明星」、或是「救星」),為就快到末日的世界帶來希望的信息(這跟Space Age一樣,人類只能重點往太空,去尋找希望),它動聽的Chorus部分,讓我們想起Judy Garland的《Over the Rainbow》,兩首共同都有在絕境中發放積極的鼓勵,也可能透過此暗示真正的主角Ziggy Stardust,有著類似Judy Garland的中性氣質。

要變做很俱爭議性的搖滾英雄從不容易,翻唱Ron DaviesIt Ain't Easy》的用意之一,也許就是要指出這點。在經歷搖滾音樂向著男性崇拜或者說是向著陽具崇拜的階段(Rocker手上之電結他猶如堅挺勃起的陽具),七零年代的Glam Rock更追求所謂的性別認同,而影射華麗搖滾始祖Marc Bolan的《Lady Stardust》,於唱出打扮怪異的Ziggy Stardust從難被俗世理解和被嘲弄,到最後得到部分人認同的轉變之外,也唱出了一個新搖滾朝代的崛起。David Bowie以鋼琴伴奏的《Lady Stardust》,製造了一個類似夢境般的場景,它放炮要摧毀社會傳統、保守的價值觀,亦讓現實中被束缚的年輕人,可以到夢中來,去重新做回自我。

至於緊接《Lady Stardust》的《Star》,是Ziggy Stardust成名後的故事,連歌曲的音樂和演繹,都透出一種意氣風發的感覺。而結他/主唱riff返回映照如Eddie Cochran年代之光彩,以及又帶有未來崩樂影子的《Hang On to Yourself》,也像介乎於傳統搖滾和Punk之間的Glam Rock角色,起到交代Ziggy由瀟灑的天外救星,「落地」變為神經繃緊之凡人的過渡作用。Chorus表現得傲慢的同名歌《Ziggy Stardust》,終來到主角和他的樂隊"The Spiders From Mars"就快「解散」的邊緣,大家仿似都對Ziggy Stardust的抱怨愈來愈大,而這位曾經令人滿懷希望的「救世主」,也因太過以自我為中心,亦逐漸地遠離了眾人。

David Bowie之專輯貢獻良多的Mick Ronson,完美地用他陽剛氣概互補了Ziggy的陰柔外表,他在《Moonage Daydream》中聽到人能高潮的著名Solo,或是《Suffragette City》內好比鋼筋般支撐著歌曲的結他連復段,都是此專輯不可忽略的精彩點。而已經無法返到從前狀態的Ziggy Stardust,於《Suffragette City》的那一刻像落為塵泥、內心腐化(唱片後段作品的色調,確實也是普遍比前面更暗沉);這位獲得人間護照的Ziggy,卻被凡塵的獸籠所困,一如Anthony Burgess或是Kubrick的《發條橙》,專輯將個體「墮落」之觀照,變成了對普世的反思。

來自太空的搖滾明星就快自己「殺死」自己,但一氣呵成般的《Rock 'n' Roll Suicide》,卻並沒有完全絕望,它開始時12/8拍的acoustic結他伴奏,奏出了清晨時分空蕩長街上的荒涼之感,跟著sax和弦樂編排的「參與」,又令歌像旭日初昇後的街角,有回了光明;頗具莎士比亞式戲劇味的《Rock 'n' Roll Suicide》,可能是受到Jacques Brel的《Jef》和《Amsterdam》等作品之啟發,而大膽將"rock ‘n’ roll"搬到劇場內的Bowie,亦很有畫面感地把一個不願接受命運屠刀的重生過程,演繹得入木三分。

David Bowie的《Rock 'n' Roll Suicide》,預告著曾完全代入到Ziggy Stardust一角的他,將會因厭倦和疲倦而槍決舊的自己(Ziggy Stardust),並「生出」新的角色。但無論怎說都好,留名搖滾史的「Ziggy Stardust」,的確壯大了Glam Rock之聲勢,且如人類成功登月後激發大家飛出地球(母體)到其它星體之幻想那樣,為當時已厭倦嬉皮頹廢的大洋兩岸樂迷,提供了一個可以脫離開這被壓制之「自我」的投射對象,或者說是能暫時得到解脫的機會。

首選:Moonage Daydream 


田中小百合 | 2nd Jan 2016 | 聽覺失調

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1992年鄧小平南巡講話,清晰解決了「姓資姓社」的問題,整個大陸社會似乎更加迅速地換上「新裝」,那壓得已久的歷史遺留之雲霧和「六四事件」之陰霾,也於當時漸漸地被吹散。而崔健的《紅旗下的蛋》,正是「下」在了這一重要的轉折階段,其內精神奕奕的樂器吹奏或編曲(《飛了》),如同社會「欣欣向榮」、「高歌猛進」式地向前發展的一個寫照,當現代化之進程令大家的價值判斷體系出現了缺陷,喻自己為鳥兒的崔健卻飛離了大隊,他發現慣常在高舉旗幟的背景下衝出禁制困境的中國搖滾,於「經濟」壓倒所有事情的時代中慢慢顯得「不合時宜」,而把意識形態問題懸置或放一旁的「大晴天」之到來,也將會導致人的精神變得眩暈、無力和迷惑,好像《飛了》最後所寫到的,「突然間那火把空氣點著了,我飛不起來了」。

在這對一切都難以作肯定與彷徨的狀態之下,崔健的《紅旗下的蛋》開始動搖、「熄火」,或至少,減弱了以前《解決》內的攻擊性;且崔健明確反對的,好像比他之前的唱片都少,甚至出現了「我沒有力氣,也沒有必要一定要反對你」的《寬容》。但崔健自知社會難以諧和,他表面有點無病呻吟的《寬容》,儘管用上流行情歌般的旋律做「包裝」,可其標誌性的滄桑聲線,卻為歌曲增添了一種類似「荒涼」的感覺,而此感覺,亦暗合那時社會逐步繁華背後的諸多變味,和人們精神衝突下破敗、腐朽的心靈之景。崔健想唱首歌來寬容一切,然於後段又唱到「我的嗓子卻發出了奇怪的聲音」,他用重複多次的「啊啊啊」聲,來代替難言的苦惱與困惑,也暗示被和諧掉的問題依然像手上扎的刺一樣,不能不去理會。

面對外部環境發生翻天覆地的轉變,崔健在此專輯的同名歌之中也意識到,仿似沒有理想、表面世故、難再熱血往前衝的新一代,雖像一顆易碎、圓滑的蛋,可他隨後又補充說,蛋才是生命、蛋才能夠自由地滾動、蛋才有著無窮之可能性;而一度「堅硬」的崔健,儘管於此專輯中少了點激進,卻變得如這蛋一樣,多了點機鋒。他的這首在名字上就反映了此靈活性的《紅旗下的蛋》(「紅旗」一方面指的是囚困人之體制,另一方面又可指革命的精神),從模仿雞鳴般的嗩吶吹奏開始,便有著破曉或破殼的重生意味;而歌曲的後段,各種樂器更加「肆無忌憚」、接近即興的表演時間(你可聽到疲軟掉的《命運交響曲》,甚至是潘美辰的《我曾用心愛著你》),既馬上實踐著這「自由」之精神,也記錄了當時熱熱鬧鬧、新舊交換、卻又失去了衝動與壓力的時代之混雜的聲音。

重新去審視自己的崔健,亦思考了如何去做屬於自己的音樂,他於上一回的《解決》成功地增強了Funky等節奏的力道,但那聽起來會像是老式、或頗為之傳統的黑人音樂。然而崔健的這張在繼承了《解決》重視節奏、編曲和嘗試中國式說唱的做法之外,還潑灑了比較重的民樂色彩,令很多時都顯得「大紅大綠」的《紅旗下的蛋》,有著更多獨特之個性。堅持推陳出新的崔健,是內地較早意識到要「西體中用」的音樂人,他劃時代的《紅旗下的蛋》,不僅僅是將鑼鼓、嗩吶、笛子、古箏,來跟西式的搖滾樂器和Saxophone進行一次結合演奏的嘗試,而且更重要的目的,是要創出自己的音樂語言,將舶來的搖滾等風格,變得民樂化、本土化;將「西體中用」的音樂,去盡量貼近那年代的時勢或脈搏。

鋒利程度似乎不及當年的崔健,不等於他就此畏縮,事實上這專輯的《北京故事》和《盒子》裡面,還出現了崔健以往少用的「運動」、「革命」等詞語和犀利的政治批判。採樣了北京街頭雜聲的《北京故事》,看似車水馬龍、生活如常,連崔健的vocal也變得溫和或不再滄桑,但在用笛子等樂器勾勒的安逸畫面背後,那種浮躁、焦慮的精神問題還在,而歌詞中互為本喻體的「愛情」、「運動」,也成為了兩個不同時代的對照,且捕捉了忽然「穩定」之社會內,集體迷惘、不知去向的感覺或氣息。突出鼓擊力道的《盒子》,像人昂首挺胸地前進,並以抑揚頓挫、如同叫革命口號般的演繹方式,去揭穿以前某些虛無縹緲之革命理想的假面具;懂得「借力打力」的崔健,知道要滅掉那些騙人的革命理想之圖騰(盒子、旗子),就要發動另一場新革命(「回去砸爛那些破盒子 回去撕破那個爛旗子」),而對應這新式的表達手法,就是把生硬的口號與說唱的「人性化」相結合,使到本應正經嚴肅的演繹方式,摻雜了點嬉皮之感。

轉向對自身觀察的《紅旗下的蛋》,體現著崔健在社會變遷之下的敏感性,而他有檢視過往心路歷程的《最後的抱怨》,昭示著一種新的困惑出現,但要對此進行解決的對象不明。崔健為了克服這困惑,就必須尋找憤怒的根源、深入地瞭解自我,從慣性的憤怒中掙脫,以獲得能代替仇恨和傷害的希望;而記回「那一天」的《最後的抱怨》,也令旋律往動聽的方向回歸(他於《解決》中就已經走強化節奏、弱化旋律的音樂路線),又因古箏、笛子的加入之後,把歌曲之「場景」移到了野外(有點武俠劇主題曲的感覺),和被製造出在亂風中「撒點兒野」的畫面。陷入到鬼撞墻似的無奈、無解裡頭的崔健,於這首副歌的部分用了如被捏著喉嚨的聲音,來反映內心的掙扎或困苦,而在主歌的部分,與「我要尋找那憤怒的根源」此一讓古箏暫時「退下」、重燃搖滾鬥志的段落,他又變回了堅定,迎著風昂揚地向前。

看過牟森那改編自高行健《彼岸》之實驗戲劇的崔健,有所反思地創作了此專輯的最末一曲,而他通過前面作品的不斷自省(特別是《最後的抱怨》),也「描畫」出一條,向這「彼岸」進發的軌跡(要到達「彼岸」必須要處理好自己主體和生活的問題)。被民樂重彩大片染色的《彼岸》,洋溢著普世歡騰的氣氛,且歌中插入的對街上年輕新一代(或是這些「紅旗下的蛋」)之採訪對白,亦是大多態度溫和、語氣輕鬆(有人還說喜歡看中央電視台)。沒有擺明立場的崔健,只是要反映出這個時勢,他當然深知遺留的精神困局仍存、很多問題仍被「懸掛」著,但他同時也知道這批判的道路之曲折,就像身處之社會的發展一樣,還未有一個令人樂觀的明確方向;而崔健於《紅旗下的蛋》中複雜、深刻的思考,也顯示出他的超越性,這位會變通的音樂人其實才是紅旗下的「蛋」,他以可稱得上是有突破的方式,真實地表現了自己之外,亦將這現實的真相,切合地唱了出來。

首選:最後的抱怨 


田中小百合 | 21st Dec 2015 | 聽覺失調

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上接昨天的排名,以下為第19到第1位。

19. 萬曉利《孤獨鳥》

18. 阿密特《不睡》

17. GDJYB雞蛋蒸肉餅《榴蓮乜乜乜》

16. 黎曉陽《快樂很慢》

15. 橙草《Ride

14. 宋雨喆《投生歌》

13. 李拾壹《是有種人》

12. 聲音玩具《明天你依舊在我身旁》

11. 陳粒《易燃易爆炸》

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田中小百合 | 20th Dec 2015 | 聽覺失調
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不用說太多,聽就對了!

50. 王嘯坤《長白山》

49. 陳永龍《沒有徐志摩》

48. 洪卓立《少年遊記》

47. 雷光夏《不想忘記的聲音》

46. 萬曉利《老狗》

45. 陳珊妮 & 林宥嘉《如同悲傷被下載了兩次》

44. 黃子軒與山平快《異鄉人》

43. 浪蕩紳士《聽大叔講過去的故事》

42. Supper Moment《煩擾中起舞》

41. 猛虎巧克力《不再是少年》

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田中小百合 | 12th Dec 2015 | 聽覺失調

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廠牌:寰亞唱片
發行日期:2015-12-01
評分:6.5/10

立足本土、傳承與創新,這些都是C AllStar以往音樂上的顯著特點,在經歷去年「雨傘運動」的洗禮,他們的《生於斯》似乎有對社會抑壓的氣候、環境,作出更多、更強烈的「回應」;而我還留意得到,新專輯內幾首歌的versechorus之間,亦出現了曲調變換較大,或不太連貫、分割的狀況,這好比製造了一種社會「變天」般的效果,也無意間對合上香港,難以去迴避的分裂、或撕裂之現象。

專輯《生於斯》的同名歌,就是最明顯不過的一首「變天」之作,它前面的verse部分「陽光明媚」,可一轉入chorus階段卻被密雲覆蓋,開始響起了雷、閃起了電;而倫永亮所帶來的曲子,甩不掉懷舊、陳舊的氣息,它的副歌,甚至頗為之顧嘉輝風格,令人想起輝哥的《當年情》等作品。這種7080年代的味道,跟歌詞字句間流露出的緬懷之情相符,林夕「技術純熟」地打出並不算太漂亮的擦邊球,但仍能夠觸碰得到,大家會有共鳴的地方。另一「擦邊球手」小廣寫的《門常關》,表面是情歌,可實質也涉及到漠視民意的政府、中港之間的關係(「門常關」也許在暗指中國的防火墻),或是面向「港豬」,以及一班「未覺醒」的「沉默大多數」而填;主副歌一樣落差頗大的《城惶城恐》,更是擺明居馬地說到香港的淪陷,又含沙射影地回顧香港十多年變化之後(「皇后」應該是皇后碼頭;「樂園」可能是迪士尼;而「煮豆燃豆」比喻的就是兄弟相殘、或中港矛盾),指出了唯有去放手一搏(「想死於安樂就放縱」),才是最終的出路。

專輯《生於斯》,於再次翻炒《我們的電車上》的第二首開始,帶人進入到有關「車」的環節,而歌名一語雙關的《上車咒》,則延續了C AllStar之前《音樂殖民地》的曲風路線,並以這更貼近年輕人之音樂風格,去反映出新一代,難往上游的共同處境。C AllStar的《生於斯》,有一條重要線索是關於這時代的「廢青」們,周耀輝填詞的《少年宮》,就是寫了此班天真不再、卻在佔領運動後愈來愈迷惘、迷失、不知所向,或漸漸從所謂的「獅子山下精神」、「大中華民主夢」之欺騙裡面醒來的「廢青」們心聲;小廣填詞的《日暮途遠》,本身其實是C AllStar自己對音樂信念更堅定的一闕內省之作,然而套入全專輯去再聽,你亦可以理解為是勉勵周融所指的loser們,不要放棄、繼續抗爭的勵志歌。

專輯《生於斯》,仍是帶著C AllStar作品一路以來會有的「留戀」元素,第十首旋律動聽但後面編曲令其變「俗」的《逾越生死》,跟他們的《別讓小島沉沒》類似,都是用情歌包裝,卻又能聯想到是寫給過去香港的一封情書(歌中還出現了「郵筒」的「戀殖」密碼);緊接的《后會無期》,更是從歌名起(「后」寓意著「皇后」),就已經充滿對英殖時代的懷念之情,或是以歌名這個「后」字,象徵了殘體字(代表強國文化)入侵香港的現狀;用上較為迷幻效果處理的《后會無期》,暗示著那時日子已如美夢逝去,而歌曲尾段荒涼、落寞的感覺,又對應上「皇后一走」以後,香港現在並不盡人意的狀況。

專輯《生於斯》,是一張很本土、也能反映香港當下的一張唱片(向崔健推介),它以「大路」的Canton-Pop作「媒介」,有利傳播、或推廣,專輯內想去表達的想法;不過要指出的是,這些偏向保守的音樂,儘管與「懷念」、「戀殖」的主題相襯,卻缺乏新一代很需要有的變革之活力。C AllStar依然留在那舊式的框架內,甚至一再重複自己之前所做過的(將結他位置「擺前」的《日暮途遠》,已是其音樂上稍為有「新鮮感」的一首),這跟於現時不斷「消費」著以往輝煌的香港相似,他們若然不開拓更多的可能性,就只會在失去生機的大環境下,繼續地「沉淪」下去。

首選:上車咒、門常關


田中小百合 | 5th Dec 2015 | 聽覺失調

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名氣和財富常會沖昏人的頭腦,但在《Good Kid, M.a.a.d City》獲得成功後的Kendrick Lamar,仍能保持清醒地望著自己。他將已經跪下的妥協者(包括黑人)比喻成"Caterpillar",而自己卻希望化為一隻,不止擁有美麗外表的蝴蝶。被說唱傳奇Tupac2Pac)影響頗深的Kendrick Lamar,原本想將此張於名字上向著美國文學/電影經典《To Kill a Mockingbird》致敬的新專輯(Mockingbird借代的就是黑人),稱作為《Tu Pimp a Caterpillar》(其英文縮寫,正是2-P-A-C);可Kendrick Lamar覺得,無論"Caterpillar"(毛蟲)和蝴蝶,它們的本質其實都是一模一樣。從貧民窟小子("Caterpillar")破繭成能呼風喚雨的明星("Butterfly"),太多「暴發」了的藝人或其他「成功」者(主要指黑人),讓這個種族蒙羞(留意專輯封面想將白宮買下來的紈绔子弟);Kendrick Lamar決定用《Wesley’s Theory》向他們發炮(Wesley即是因逃稅而被判三年徒刑的Wesley Snipes,寓意成名後的黑人藝人常做出瘋狂的行為),將帶有街頭特色,又富含雙關語和詩般注重韻腳、排比的rap詞,變成為一發發的炮彈。

Kendrick Lamar更進一步「復興」西岸Hip-Hop的《To Pimp a Butterfly》,也進一步發展了說唱與Jazz融合之可能性,或深化了與Soul & Funk 的結合。「留下腳毛」的Kamasi WashingtonFlying Lotus,以及後者長期戰友Thundercat的加入,令《To Pimp a Butterfly》的爵士氣息比《Good Kid, M.a.a.d City》更重,也使到這專輯顯得更為之神采奕奕。Free Jazz的《For Free?》,仿佛帶聽眾走入到一個馬戲團,從音樂和說唱的聲線運用上,增強了這歌對商業化的唱片工業、物質化的女孩形象、或是虛假繁榮的「美國夢」之諷刺性;偏向夢幻溫柔的Jazz-Hip HopFor Sale?》,又製造出讓人沉醉的舒適氛圍,跟歌內暗示之「暴發」般生活方式,或魔鬼的引誘(歌詞中的"Lucy"指的就是Lucifer),互相地「配搭」在一起。充滿Funk感的《King Kunta》,借Alex Haley橫跨七代的長篇小說《根》之人物,回溯了自己的出身、亦形象生動地點出暴富黑人的自我定位(「工業的奴隶、族群的王者」);而歌曲採用的Soul & Funk之風格,正強調了一種根源性(Hip-Hop音樂其中的一條「根」就是Funk),且以歌內出現的音樂升key效果,巧妙地和應了Lamar rap到的,由「農民到王子再到國王」的自我誇獎。

懂得從機制裡鬆綁的Kendrick Lamar,很清楚金錢和音樂之間的關係,他在《To Pimp a Butterfly》中不斷揶揄或直接抨擊這行業的怪現象,也自省了自己一舉成名後的顧慮。專輯第四首有對祖母搞怪的聲音模仿和Snoop Dogg說的童話,卻掩蓋不到Kendrick Lamar已墮入了焦慮於現實的夢魘;第五首《These Walls》用一個復仇的故事為引(跟殺死自己兄弟之罪犯的愛人發生關係,"Wall"指的就是女人的私處),實質重點是帶出人類殺戮、仇恨循環不息的現象("Wall"用了複數)。一步步自《Institutionalized》開始,走進一個黑洞內的Kendrick Lamar,於計劃在酒店房間自殺的《u》裡面,到達了最陰暗的時刻,這歌精彩的Sax吹奏,猶如草書他內心的糾結、混亂,而Lamar為坦露沮喪等負面之情緒,所採用的由憤怒變為哽咽的演繹語氣,更讓聽眾真切地感受到其受到的掙扎折磨,或者是巨大的傷痛。

Kendrick Lamar以《u》告訴我們知道,沒有見過黑暗,便永遠不會瞭解何謂是光明,他攜手「快樂代言人」Pharrell Williams的《Alright》,作為《To Pimp a Butterfly》的一個轉折,不但釋出了《u》的精神上負擔,也於美國警察槍擊黑人事件之陰霾下,傳遞著要為種族平等,進行鬥爭的訊息。跨過那被魔鬼纏繞之坑穴的Lamar,得到了自我的認知,他的《Momma》延續了《For Sale?》最後的詩句("The evils of Lucy was all around me, So I went runnin' for answers Until I came home"),從迷途中找到歸家路,也重遇了他未成名的自己;《Hood Politics》回到Kdot的過去,採樣了Sufjan Stevens的《All For Myself》,並以一個年輕無畏者的角度,去評說美國醜惡的政治生態,和說唱工業的一些現狀("It's funny how one verse could fuck up the game",還致敬了Jay-Z的《Imaginary Player》)。

走在「康復」路上的Kendrick Lamar,於音樂氣氛營造得如夜晚街道般陰暗的《How Much A Dollar Cost》內,碰到了一個向他要1美元的陌生男子。Kendrick Lamar先是拒絕,但在被問到他有沒有讀過《出埃及記》的第14章之後,Lamar卻感覺到內疚且開始同情了眼前的露宿者;這時,此位陌生男子說出了他就是上帝,而LamarRonald Isley演唱的Outro中,又向著上帝懺悔,或希望驅使心內的魔鬼離開。歌曲《How Much A Dollar Cost》其實要指出的是,1美元的價值遠遠大於它數字上的價值,如果你連對窮人、對需要關心的人都表現出漠視,你又怎能向世界傳達自己作品的「愛」與信念呢?這「1美元」的給予,是Kendrick Lamar跨越創作上之屏障的標誌,他再次凸顯出他的寫詞或說故事能力,像此首提到的「1美元價值」一樣,其內涵遠遠大於它歌詞表面上所說。

獲得心靈/意識又一次醒覺的Kendrick Lamar,在rap出愛無關膚色深淺的《Complexion (A Zulu Love)》之中,延續著上首《How Much A Dollar Cost》的「大愛」步伐;《You Ain't Gotta Lie (Momma Said)》通過談及很多rapper因要「成功」便抹除自己個性的例子(此處又聯繫了被名利所困的《For Sale?》,和將說唱等同於金錢與權力的《For Free?》),告訴我們知道其實人可以變得更自由自在,未必要為獲取所謂的「尊重」而活(這首歌的音樂也相應地變得更舒適和放鬆)。很會發散聯想的Kendrick Lamar,其頗為厲害的一個地方,就是能將Hip-Hop圈子內存在的問題,或有關種族的話題,跟他的成長軌跡/脈絡相結合。光明、積極的《i》,表現了他身為黑人的自豪感(這跟黑暗、激進的《The Blacker the Berry》相反),也是其精神上墮落到最低處的《u》之後,從谷底反彈到的最高點;而此歌曲舊年的Single版本,本人初聽時並不覺十分驚艷,但估不到被重編和套進《To Pimp a Butterfly》的「上下文」之後,卻顯得更意氣風發,或被增強了其自信的能量,特別是它加入了Kendrick Lamar的演說,字字鏗鏘有力,也俱煽動性,仿佛帶著Malcolm XMartin Luther King,或是Nelson Mandela等黑人領袖的影子,讓我有被「鎮住」的感覺。

然而更激蕩人心的「好戲」,仍在後頭,Kendrick Lamar受到他2014年南非之旅啟發的《Mortal Man》,竟然將散落於專輯的詩句重新組合在一起,交代出他由「不可一世」的《King Kunta》,到沉淪的《u》,再到和LucyLucifer)搏鬥的《For Sale?》,以及最後於《i》內迎來「勝利」的完整心路歷程。且Kendrick Lamar通過了這「詩」(可以指代這專輯)激勵自己黑人社區的結尾,也跟他上張《Good Kid, M.a.a.d City》的一首《Real》內,其母親對他說的一番話語("Come back a man… Tell your story to these black and brown kids in Compton…When you do make it, give back with your words of encouragement"),作出了連接。脫去被名利眼罩蒙蔽的Kendrick Lamar,在《Mortal Man》的尾聲,還變身成為了「墳總」Ching Wing See,「訪問」了已故的說唱巨星,也是Lamar的永遠偶像——Tupac(其實就是將Tupac在世時的一段電視台訪問剪接,再按他的「回答」撰寫Lamar自己的提問問題而成)。這場分隔時空的對談裡面,兩名西岸MC討論了有關黑人文化、種族和政治等議題,而Kendrick Lamar從中也意識到自己的「時間有限」(因為人生無常、世事難料,Tupac在二十多歲時就遭遇了槍擊身亡),他要趕快將其領悟到的告知世界,用他的街頭詩歌,去影響仍徘徊在迷茫裡的年輕聽眾,和被囚困於繭內的黑人朋友。

自說唱音樂正式確立其風格後的每一個年代,總會冒出一位(或幾位)說唱的「王者」,Kendrick Lamar以他不用扮成HovaJay-Z)或是YeezusKanye West)的音樂,贖回了「自我」的身份,並更加rap出、發出了,貼近「王者」的聲音。知道奴役永不停止的Lamar,正呼喚著風雨的到來,他的《To Pimp a Butterfly》,在為未來的Hip-Hop音樂、專輯提供「範本」(從beatflow到歌詞中的角度);在為這已經迷失多年的說唱圈子,亮起了歸途的信號之外,也如一座對準「主流」的大炮,為協助弱勢衝出高墻之包圍,真正破繭成能瞭解自己的蝴蝶,炸開了一個個的缺口。

推薦:King Kunta, u, i 


田中小百合 | 28th Nov 2015 | 聽覺失調

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廠牌:環球唱片
發行日期:2014-12-26
評分:7.6/10

人們常說「不見不散」,然而莫文蔚的專輯叫《不散,不見》,她的人生、她跟初戀男友分別後再相逢(和結婚)的經歷,告訴我們知道何謂「離開是為了回來」、何謂「命運最終還是會讓我們走在一起」。整張《不散,不見》的概念,是有關「旅行」、亦有關「道別」;Karen在裡面向著過去說再見,也於出走後又碰到了,一個更成熟和更看得開的自己。

自從五年前的《寶貝》開始,莫文蔚的作品越變得淡然,或越變得「平整」,這可能跟她的閱歷、年歲與心態有關,標誌著其豐富多彩的音樂生涯,又邁入到另外的一個新階段。專輯《不散,不見》,依然讓我們感受到她的人生「演進」,於常石磊為Karen獻上的同名主打之中,只用上鋼琴的伴奏/編曲,竟令對親人的思念、對失去的惆悵,迴蕩在音樂內,卻又被莫文蔚較為從容的演繹所化釋。開頭清唱或只有輕柔伴奏的《時間裡的飛人》,承接了前首結束時平和的意境,與沒有好好道別的遺憾,歌曲漸進式地加入弦樂、琴音、Band Sound、乃至空靈的和音,情感也相應地顯得更為之濃烈。而音樂「祥和」的《一切安好》,跟同名歌《不散,不見》一樣,都是由常石磊作曲、都是由琴音為主導,它曲內有著流暢的、以及淡雅韻致的演奏,彷如奏出生命,在風中穿梭或來去的畫面。

擔任專輯製作和參與編曲的荒井壯一郎,注重了音樂上的敲擊環節(這是荒井的強項),令本來帶著柔光線的歌曲,被投下了打破平靜的石頭。青峰作曲作詞的《看看》,前面婉約,中段卻忽然如Queen的《Bohemian Rhapsody》那般(其實更像大陸的革命歌曲一樣),氣勢磅礴、豪放,情感被一下子強化;如此之猛烈、激動的編曲,我初聽是覺得太over了,但荒井等人這樣的處理,確實更能將青峰的旋律、詞句,敲鑿進聽眾內心。懂得調校火候的荒井壯一郎,有時會火力全開,有時又善用文火來加熱,《親愛的:》如影相隨之鼓點,和Brass的加入,俱「烘托」之作用;隱隱傷感的《哪怕》,亦因荒井適度而突出的節奏「落款」,增加了這首的層次,並推動著情感的細微轉變。

專輯《不散,不見》,是一次相遇回憶,同時也是一次,學會扔掉沉重行李包的旅程。王梓軒作曲的《境外》,主歌像被雲層所壓,副歌卻像飛機起飛穿過了雲層,瀟灑地跟從前作道別;編排簡約的《搖籃曲》,希望暫時不被煩惱的現實打擾、去重遇那個曾經相信簡單美好的自己;到再次交由周耀輝填詞的《只帶一隻行李箱》,仿佛又往下一段旅途出發,交代出歌者更能懂得去「放下」、或積極地面對人生的悲歡離合;編排遞進的《只帶一隻行李箱》,以及它尾段行雲流水的演奏,如營造了人頂著風雨、堅強向前的畫面,而其接近最後出現的古箏掃搖,與前面作品的銅管樂器之吹奏一樣(《親愛的:》、《境外》),都有著異曲同工之妙,令一種灑脫的感覺被帶了出來。

莫文蔚的《不散,不見》,集結了不同世代之音樂人參與其中,他們的創作風格各異,而且有些歌曲也明顯帶有他們的風格標籤(如倫永亮作曲的《時間裡的飛人》),但從整體來說,專輯《不散,不見》,基本上沒有出現每首歌各自為政般的分裂感。這可能要多得荒井壯一郎對全局的控制、拿捏,也要多得莫文蔚有其個人特色的演繹方式,能將別人之作品唱出自己的styleKaren與《不散,不見》內的歌曲關係,可謂已經達到一個「人歌合一」的境界,她令我們信服了聽她的音樂就像看她的成長經歷,讓有故事的人生在她的演唱中,能夠真實地現形。

找到真命天子的莫文蔚,於眼前沒有以往那麼多曲折的音樂裡面,仍設立著情感掙扎之障礙物,需要繞過;但就是因為有這種「繞來繞去」的糾纏,令專輯《不散,不見》的中段,出現了一點拖沓的感覺。不過換個角度來看,如此反反復復地盤旋在「離別與再見」的命題,證明她要扔掉這沉重的「行李」並不容易,於最後的《只帶一隻行李箱》,Karen還是衝破了路障、擺脫了「心魔」,連帶你的失落或沮喪,都暫時被她釋放出流浪氣味的音樂,所拂拭去了。

 

首選:只帶一隻行李箱 


田中小百合 | 21st Nov 2015 | 聽覺失調

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廠牌:亞神唱片
發行日期:2015-11-13
評分:8.0/10

為尋求新的刺激、新的靈感、新的音樂出路(也為力保自己的金曲獎「最佳國語女歌手」之得獎記錄),都市白領情歌代言人蔡健雅這幾年都不斷地苦苦思索、積極求變,在上張《天使與魔鬼的對話》中,她向大家掏心掏肺,差點(或已經)將遮掩內心的底褲都脫掉了;而今年的《失語者》,她乾脆放下手上的結他、玩起電子音樂,其轉變幅度之大,就如同從「樂壇甄嬛」一角,變成了封面上的那個冷艷的「張愛玲」一樣。

找來大陸音樂人常石磊、安棟進行編曲、製作的《失語者》,塑造出一個更幽閉亦更時尚、或者是有可能更受到同志歡迎的蔡健雅。專輯盡力地模仿國外的輕電子樂,保持著一種偏冷的氛圍,融合適度卻不會太外放、不會太強烈、不會太青春的節拍,帶來了成熟、穩重、和有點孤高的音樂作品。這或許有時會令人想起Tanya那異類一面的同類——Lana Del Rey,尤其是《失語者》最後一首的vocal處理、與它陰暗迷幻的色彩,都散發著「喪葬流行」的魅力。蔡健雅的《失語者》,沒有很大起大落、四射奔流之情緒,儘管專輯的感情色彩、音樂色調如封套的照片那般,轉得更加「黑白」、灰暗,但它跟較為沉溺的上張相比,這次只能算是淺潛到自己的心內,掙扎感亦不覺強烈。所以蔡健雅為配合專輯的演繹,就像冰上滑行,她生怕用力稍為過度就破壞了整個氣氛(其實Tanya以往的演唱也非常懂「節制」,很少會過火),卻未令到自己刻意壓低的vocal變得「呆板」,於某些的細節處理上,仍然是聽到她對歌曲詮釋注重「質感」,而非靠「鳩叫」來宣洩情緒的「真功夫」。

一向喜歡往外取精、補血來維持其音樂「活力」的蔡健雅,總不會只「參考」一家,或不會將自己的唱片做得徹底地沉淪、絕望。此張《失語者》,在中後階段仍從水裡面冒出頭來,給人可以往較為明亮的地方透一透氣。《失語者》內的這樣向多方「參考」、甚至受到DubstepAmbient等風格的影響,和有安棟的製作把關,反而讓其能保持了較統一的調性,又不會出現太重複、單調的感覺;而且它被重視的「節奏」一環(《先生有事嗎?》),或者說是整個編曲上的出色「調控」(《貓鼠遊戲》),都致使了專輯既收斂、冷靜,又跳出了富變化、動感的舞步。

當人類的生活愈被科技重重包圍,我們與別人之交流交際,也受到愈多的阻隔。《失語者》借電音來隱喻這一冷漠、冷淡的感覺,也於小寒那轉彎抹角、善用比喻的歌詞中,透露出人與人之間缺乏誠懇、缺乏坦白的情感互動(即是說這些歌詞亦很難直接地打進聽眾內心)。專輯著重描寫的,仍是如貓鼠遊戲一樣你追我閃,或若即若離的人際/兩性關係,而《菲林》蒙太奇手法般的歌詞、以及相配它的意境迷離之編曲,正是將唱片的這個意念,展現得比較好的一例。當然,專輯《失語者》像其宣傳的文案所說,並未侷限於情愛世界的悲歡情緒,它的內容,亦有關於SELFIE的自拍風潮(你也可套入之前熱爆的「17」直播),或女性的獨立宣言。包辦全碟所有歌詞的小寒,將都市人的「遮掩」性放大,也將讓都市人產生這「遮掩」的網路世界,及其內出現的一些現象寫了出來;而專輯在《偷窺秀》的後面,可以劃一條分界線,因為最尾的兩首有「解救」的意味,讓我們(不止是女性)能夠挺起腰骨、直面自己,或破除相互之間的隔膜,去感受「愛」的本能(但歌詞的寫法仍是比較「兜轉」)。

蔡健雅勇於突破向前的《失語者》,可能是由於它所極力營造的「疏離」之感,令到它與很多的聽眾隔開了一段不少的距離;然而Tanya又像以往的唱片那般,再做多一張療癒我們的情歌專集,會顯得多沒有意思!她這張縱有仿效痕跡的專輯,至起碼提供給大家一個不同的選擇,於太多「招式雷同」之流行歌曲塞滿的國語歌壇中,《失語者》以其不刻意討好舊樂迷的音樂風格,發出了我們這些靠溫情脈脈之表象來掩飾空虛的都市人,或會迴避的另一種聲音。

首選:菲林 


田中小百合 | 14th Nov 2015 | 聽覺失調

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廠牌:林暐哲音樂社
類型:國語流行
格式:CD
發行日期:2015-11-04
評分:8.5/10

「春」的輕盈、「夏」的躁動、「秋」的憂愁,陪伴一代人游過青春河流的Vivaldi計劃,終也到達了殘酷如成人世界的《冬 未了》。這張希望把樂迷從數字音樂中帶回到去聽實體專輯的新作(如你用mp3來聽它簡直就是一種褻瀆),不惜工本地遠赴柏林、匈牙利進行製作,甚至動用由Bernd Ruf所率領的60人交響樂團GermanPops Orchestra,一起地參與了現場的演出錄影。而專輯有時激烈或近乎瘋狂的音樂情緒,就如一場暴風雪之降臨,並以它的沉痛與褪去斑斕色彩的音樂,對應冬天的蕭索或柏林/歐洲的那段陰暗之歷史。

重投向「古典風」懷抱的蘇打綠,若沒有了阿龔的加入,根本不可能製作出07年的《無與倫比的美麗》,也根本不可能誕生出接下來的Vivaldi計劃。這張再一次凸顯阿龔重要性的《冬 未了》,強調了由他所編寫的弦樂部分,也利用了此澎湃、豐富的編曲,去呈現專輯宏大、複雜的內容。在弦樂已經被用到氾濫成災的華語樂壇,《冬 未了》重新將管弦樂的威力釋放出來,它內裡的《對殺人狂指控》、《痛快的哀艷》等作品,令我聽到是把古典音樂的一些特質結合到流行歌曲中,或者直接按創作古典(風)音樂的思路,來進行歌曲的創作。這樣的結果,使到演奏的弦樂成為一個主動、帶領的角色,而非於很多流行曲中,淪為陪襯或無關痛癢的花瓶擺設。華語音樂儘管也有不少用弦樂/管弦樂碰撞搖滾的嘗試,但《冬 未了》無疑是一個里程碑,它有著蘇打綠(特別是阿龔)對如何用Orchestra來更好地烘托情感的探索思考(如《回車諾比的夢》內Brass Instrument的渲染),也讓這有時會用來壯大聲勢、「加厚」編曲的管弦樂,不變成空洞、蒼白的轟炸聲響。

選擇在德國柏林完成他們Vivaldi計劃最終章的蘇打綠,結合德國或歐洲於20世紀歷史中的沉重意象,反映出個體生命要與命運作永恆對抗的痛苦。在尼采的《查拉圖斯特如是說》裡面,查拉圖斯特即使不斷地編造了許多藉口以逃避孤獨的命運,但最後他依然獨自離去,獨自面對自己所必須存在的從人世到孤獨,又從孤獨到人世之輪迴。而專輯的《痛快的哀艷》,一直至《Must Keep Singing》,可以聽到蘇打綠(主要是青峰),受到尼采這位德國哲學家的影響頗深(《對殺人狂指控》還直接點名了他),包括其「永遠回歸」(die ewige Wiederkhr)之思想、對命運無限輪轉的認為,到尼采提出的要我們藉著苦難和超人意志來反抗既定命運的超人學說,都可以在專輯、或整個Vivaldi計劃的循環意念,以及引用西西弗斯(薛西佛斯)神話,唱到了要活出自己本質與生命力的《未了》內(跟超人學說吻合),體現得到。

至於《對殺人狂指控》和《他舉起右手點名》,是借昨日來喻今天,斷章取義尼采超人學說去神化所有殺戮的希特拉,能隨意判定人生死(《他舉起右手點名》裡面還有希伯來文和梵文的祈禱詞,這時向神求救也無用,因為行刑的,正正就是「人」),然放眼到幾十年後的世界,人類種種惡行仍是沒有停止(9.11、伊斯蘭國、到今天巴黎的連環恐怖襲擊),不同的歧視、不同的莫須有之罪狀,依然安插在一些「小眾」的頭上,那些善忘的看官們(「花生友」),其實一直在做著幫兇,或者是沾滿鮮血的劊子手。而另一有關德國歷史的《墻外的風景》,以柏林圍墻去比喻別人和自己對自己的「認定」,有些愛情雖很難被世俗理解(重點指的就是同性戀,也照應了《他舉起右手點名》內的「原罪」),但我們是可以首先跨越,或推倒內心築起的那堵墻。此歌提及的「信念」,是專輯之一個關鍵詞,從崩塌的《痛快的哀艷》,或者是思念與愛之堅持在大眾心靈廢墟外飄揚的《回車諾比的夢》,還有《Everyone》、《未了》等最後幾首「重建」的意象,其實都涉及到人的「信念」。

蘇打綠總結性的《冬 未了》,有對之前三張「春」、「夏」、「秋」的回顧,好比《對殺人狂指控》令人聽到「夏」的影子;音樂氛圍營造出核事故後景象的《回車諾比的夢》,又相似於《春·日光》內,那脫俗夢幻的《各站停靠》;當然《下雨的夜晚》這樣抒情、能流行出去的歌曲,可以說是愁絲剪不斷理還亂的《秋:故事》之延續;帶戲虐性的(如中間bababa的一段)、諷刺屠殺遊戲的《他舉起右手點名》,其開頭唱到的第一句,你又能夠直接跳躍到《嬉戲之後》的主歌部分。

吳青峰曾經說過,《冬 未了》要帶來跟過往不一樣的蘇打綠,可這張未能完全脫下以前的一些包袱,音樂上的統一、連貫性,亦不及他們的「春」、「夏」兩張。最明顯是《痛快的哀艷》與《對殺人狂指控》之後,落差頗大的《地平線》忽然軟了下來,跟前面對接不上;口水歌《下雨的夜晚》(不是說它不好聽),和專輯的整個基調亦有些分割,不如捨棄會顯得更好。蘇打綠的中文創作,始終是優於他們的英文歌,聽小威作曲作詞的《Everyone》,感覺它頓時失去了蘇打綠音樂之銳氣,像政府的旅遊宣傳作品一樣,華麗但難真正打動到人。專輯《冬 未了》的一個較大問題,我覺得還是不可以做到「徹底」!一堵仍有「計較」的墻未被推倒,令他們在放聲狂喊的同時,又有著怕引起山上雪崩的考慮。

然而瑕不掩瑜,《冬 未了》比「無美麗」更靠向古典音樂的嘗試(「無美麗」中的古典與流行之交融是偏向流行,可《冬了》中的「交融」則偏向古典),值得我們去肯定;而其內容、思想上的深刻性,亦是Vivaldi計劃的四張之最。希臘酒神狄俄尼索斯(Dionysus)令尼采領悟到生命的毀滅,也是生命的完成,那《冬 未了》的接近尾聲,「四季」之主題音樂的再次響起,又有重生的意味。酒神狄俄尼索斯的誕生是悲劇,但同時藉著破壞與重建所不斷生成的漩渦,實現了自己的本質、成就了超越個體的壯美。這種哲思蘊藏在蘇打綠的《冬 未了》之內,於酒神的精神(Dionysian)裡,讓人更能直視痛苦,並從痛苦中獲得快慰;而來自舒曼企圖自殺之念頭的《我們不懂》,雖是有關死亡,但音樂並不消極,因為人生的變動,像四季不息的循環,在到達黑暗的冬夜盡頭之後,你也可能會遇到和暖的春日陽光。

首選:我們不懂 

 


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